1樓：德美樂舒
以圖為例：
觀賞繪畫的第一個方法，是瞭解作品傳達了什麼樣的文化背景。
洞穴畫（圖1）能告訴我們遠古先民的一些情況（當然只是模糊的情況），比如他們四處遷徙，有時藏身在山洞裡；他們獵取野生動物為生，但不會建造耐久的房屋，也不會種植穀物，等等。
6世紀的**教馬賽克鑲嵌畫（圖2）體現著父權制的文化，在這種文化中，有知識的少數人向未受教育的民眾指手畫腳。這幅畫告訴我們，對早期**教來說，儘可能清楚地宣講聖經故事是一個非常重要的任務，它要讓這種相對新的宗教理念為人們所接受。
布隆齊諾用隱喻來作畫（圖3），充分體現了一個睿智而聰明的宮廷社會，是如何地喜歡繞彎彎和轉圈圈，喜歡用藝術來作智力遊戲。
20世紀這幅畫（圖4）透露的是這種情況：在我們這個時代，藝術家的個人看法和獨特行為是受到保護的，特權階級的傳統價值似乎正在被拋棄，藝術家得到鼓勵，可以自由而創造性地表現自己。
觀賞繪畫的第二個方法，是看作品是否寫實。
在許多藝術家眼中，尤其在古典藝術家（約公元前600年至公元300年）以及從文藝復興（始於15世紀）開始到20世紀初這段時間的藝術家眼中，能否真實地表現自然不僅至關重要，而且是一種挑戰。許多藝術問題讓人神魂顛倒，而這些問題無一不是為了讓繪畫能夠顯得真實。一代一代的藝術家殫精竭慮，力求解決這些問題。
但並不是每一個藝術家都會把求真看得高於一切，所以我們用關於真實的標準去衡量每一幅畫，就不很恰當，因為這個標準對某些藝術家來說可能不是創作的目標。比如，中世紀那位馬賽克藝術家，他希望把一個聖經故事講得活靈活現（圖2），但並不在意他畫中的人物是否豐滿自然，如同布隆齊諾畫中的那些人物一樣（圖3）。然而他還是把主要的人物——**和拉撒路——創作得讓人一眼便能認出來，而且把**那重要的手勢放在了畫面**，在背景的襯托下顯得非常突出。
清晰易懂是他追求的首要目標，因而他不允許有任何一點模糊之處。在我們看來是體現真實的複雜形式，在他看來只是分散人們的注意力。
我們同樣不能從求真的角度來判斷圖4的作者，他急切地渴望用油彩來表白自己，對求真其實是不關心的。他的目標是傳達他感情中的某些東西，並不想記錄他視力所及範圍內的周邊事物。
所以，儘管我們可以問這樣的問題，即一幅畫是否像它所畫的東西，但應該記住：當這個問題與某個作品毫不相關時，我們就不應該這樣問。
觀賞繪畫的第三種方法，是考慮它的構圖設計，也就是看它如何使用顏色、如何運用形狀。
例如，我們用這種方法去觀察布隆齊諾的《寓意》（圖3），就會發現主要的一組人物——維納斯和丘位元，組成一個灰白色的「l」，它正好與畫框的形狀相配合。接下去我們看到畫家使這個「l」與另一個「l」作平衡，那是一個倒「l」，由代表快樂的男孩和時間之父的首與臂構成。兩個「l」組成一個長方形，把畫面牢牢地固定在畫框之內；這就保證了構圖的穩定，否則就會把畫面弄得亂七八糟。
但反過來看這個設計的另一面：我們已經注意到，畫面到處都塞得滿滿的，充斥著人與物，讓人感到目不暇接。形狀的連續運動與作品的精神主題有關，繪畫主題是動盪和無決斷；愛情、歡樂、嫉妒和欺騙糾纏在一起，造成了一個在形式上和心智上都錯綜複雜的圖案。
畫家筆下的人物具有冰冷堅硬的外形和光滑豐潤的外表，看上去好像是用大理石製作的。冷色的運用強化了冰冷、堅硬的感覺，色彩幾乎全是青藍和雪白，再加上一點綠和深藍（唯一的暖色是在丘位元膝蓋下那塊紅色的墊子）。這種冰冷的外形與畫面中引起感官慾念的行為正好相反，如此安排之下，一個通常表現溫柔、熱烈的愛戀姿態，就既有著深思熟慮的佈局又不致引起邪念。
這幅畫在形式色彩和主題之間存在著張力，但它又與畫中隱喻的那種自相矛盾、也許還帶有輕微諷刺的意念是充分一致的。
2樓：匿名使用者
你的立體的去欣賞
你思考了解這副畫的背景
當時的大環境
還有畫家當時的處境
這是瞭解此畫的創作途徑所在
從藝術角度看
應當看看構圖
還有色彩
還有表現形式
筆法也是主要的
3樓：匿名使用者
曾經我也覺得名畫是很無聊的東西，很難去欣賞，特別是古典油畫，我覺得畫的和**一樣有什麼好，但是自從我學到古典油畫技法以後，我覺得這實在太有意思了，我在看一幅古典油畫的時候也明白了什麼樣是好的是不好的，自己去畫畫看吧，當你去臨這些畫的時候就自然會發現其中的奧祕了，因為這些畫涉及到的東西實在太多了，絕不是沒有一定水平的人能臨出來的，特別是將自己與大師的畫放在一起比較，你就會覺得為什麼他的每一個筆觸色調構圖都那麼正好，這些都是很微妙的，你自然而然就懂得從**去欣賞了！
4樓：好來嫵
這個嘛 ？還真的不知道，我不懂藝術啊？不過我很羨慕那些懂藝術的人！
如何欣賞世界名畫
5樓：匿名使用者
首先應該先了解作者，再看作品的構圖，色彩，走筆，反正我是這麼看，看圖新手哦。
如何欣賞一幅繪畫作品
6樓：杭
1、我們要了解哪些時期的畫是注重透視關係，而哪些時期的是不那麼注重的。例如古典主義時期的畫特別注重透視，那麼你欣賞畫的時候，就應該把這一點考慮進去。在那些不注重透視關係的風格里面，你就不應該用透視來判斷畫的好壞。
2、光影，通過觀察畫中光的用法，可以判斷出你所欣賞的畫作所處的時期，同樣也能反應這種風格的特點。例如印象派的畫特別注重光與色的關係，這時候你就必定要把光考慮進來。
3、構圖，構圖的好壞可以直接體現在畫面裡。好的構圖一般都有構成感上的平衡。另一方面，作者還可能通過構圖來反應更深層次的含義。所以努力分析構圖，對欣賞畫作是有幫助的。
4、技法，一幅畫往往會用到多重多樣的技法。你可以通過細心觀察，大膽猜測作者所用的技法是什麼。這些技法可能會為你今後的作畫帶來幫助。
5、瞭解作者，通過了解作者的人物性格以及他的親身經歷，可以很好的讀懂畫作要表達什麼。作者生活中所經歷的痛苦和快樂都會反映在畫裡。
6、瞭解題材，繪畫的題材有很多種，我就拿人物來舉例子。例如古典時期的西方油畫鍾情於畫人物，人物往往和宗教相結合。這時候你就需要了解《希臘神話》《聖經》這兩本書了。
因為裡面大多數是敘事性的故事，如果你沒讀過這兩本書，是絕對不知道畫中在講述什麼的。
7樓：匿名使用者
對於一般人來說，能否欣賞一幅繪畫作品常常是能否"看懂"，他們的欣賞步驟是：畫的是什麼？畫得像不像？
畫家畫這種形象的寓意是什麼？如果都回答出來了，便認為是看懂了，如果回答不出來，便認為是看不懂。這種方法就是一種傳統的講"故事"的方法，他們對於繪畫作品的欣賞往往過多借助"文學性"的描述。
那麼，用這種方法來欣賞中國畫，一般來說，工筆的、寫實的作品就容易欣賞，因為它是具體、真實，看得懂。但如果是粗放的。寫意的作品，尤其是水墨寫意的作品，就較難欣賞了，因為它不寫實，形象不具體，就看不懂，而且更無從知道作者的寓意了。
當然，一般人用這種方法欣賞繪畫是完全可以理解的，因為畫得像，看得明白，才容易引起聯想、產生共鳴。但是我們必須明白，一幅繪畫作品的好壞，卻不是以"像"或"不像"來衡量的。就藝術而論，我們衡量一件繪畫作品的好壞，或我們欣賞一件繪畫作品，首先不在於它像或不像，而在於繪畫作品的主題，或者說繪畫作品中所輻射出的某種觀念、某種思想、某種情緒，能否緊緊地抓住觀賞者的心絃，能否給人以充分的藝術審美享受，並使人從中獲得某種啟迪和教育。
應該說，這才是一切藝術作品的真正目的。像與不像僅僅只是作品一種達到目的的手段而不是目的本身。因此像與不像就不能作為衡量作品的好壞或欣賞作品的標準。
那麼，畫家們是怎樣來看畫的呢？就國畫而言，內行人看畫一般是看畫面的整體氣勢，用美術術語來說就是先體味其"神韻"，或者"神似"，然後再看它的筆墨趣味，構圖、著色、筆力等。最後才看它的造型，即像不像或"形似"。
內行人的這種抓"神韻"的欣賞方法當然是抓住了實質，因為"神韻"就是一種高的藝術審美享受，常常是中國畫家們的追求達到的目標。當然，一般的人要從畫中去體驗到一種"神韻"卻並不是一件容易的事，那不但需要一定的審美能力、藝術修養，也還需要具備一定的繪畫方面的基本知識，特別是通過繪畫而訓練出來的一種"感覺"。所以要很好地欣賞繪畫，還得具備多方面的才能和藝術修養。
但是，如果我們從以下幾個方面去欣賞繪畫作品也許更能理解一些。有人提出，藝術的欣賞需要經過審美感知、審美理解和審美創造三個階段，那麼從這樣三個方面去欣賞繪畫作品是很有道理的。
2.在審美感知的基礎上進行審美理解。即在直觀感受的基礎上，進行理解和思考，把握作品的意味、意義和內涵。
這種理解包括對作品的藝術形式和藝術技巧的理解；對作品表現的內容和表達的主題的理解；以及對作品的時代背景和時代精神的理解等等，這就需要充分調動我們的思考能力。我們可以一步一步地想下去：作品畫的內容要表現什麼？
是怎樣表現的？所採用的藝術手段是否恰當？能否充分地表達出主題？
同時，透過作品的畫面，猜測作者的心思，是熱情地歌頌或是辛辣地諷刺；透過畫面的氣氛，體驗畫面的情調：是深沉或是豪放，是樂觀或是悲傷。再還可以根據已有的知識結構，結合作者的身世、創作特點和所處的時代背景等進行分析。
3.審美創造階段。就是通過審美的感知和審美的理解後，在對作品審美的基礎上進行再創造，通過自己積累的審美經驗、文化知識、生活閱歷等進行豐富的聯想、升發開去，再創造出一個新的意象來。
這樣，你才真正獲得了啟迪和教育，欣賞繪畫才獲得了真正的意義。
朋友們不妨用這種方法去欣賞中國畫（或其他繪畫），認真試一試，你一定會有所收穫。
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